– I segnali sonori più interessanti della settimana. Dalla Francia la psichedelia pop-rock di Melody Prochet. Juliana Hatfield trasforma in bellezza il dolore e la tristezza. Una importante antologia di Bill Evans. L’omaggio a Kasse Mady Diabaté, “Voce d’oro del Mali” e il disco postumo del pianista Valerio Rizzo
“UNCLOUDED”, MELODY’S ECHO CHAMBER
La polistrumentista francese Melody Prochet produce il tipo di musica d’atmosfera che riesce a trasformare anche il momento più quotidiano in una scena di un film di Sofia Coppola o Xavier Dolani. Melody’s Echo Chamber brilla come per i paesaggi sonori cinematografici dream-rock, esplosioni silenziate di bassi sfocati e percussioni arrotolate avvolte in una chitarra riverberante e tintinnante.
Il suo luccichio dai toni seppia diventa ancora più sognante su Unclouded, il quarto album di Prochet, il quinto, se contiamo l’album “perduto” Unfold. La musica si dispiega in una psichedelia pop-rock diafana che sembra galleggiare nell’aria. L’album è un campione di un bellissimo tessuto lucido appeso a un ramo d’albero, che danza nella brezza.Vintage e affascinanti gli accordi e gli arpeggi. La marcia downtempo nel cuore di Memory’s Underground esplode in una tempesta di archi e riverbero. Il Daisy assistito da El Michels Affair è un raggio di sole imbottigliato per mezzo di chitarra elettrica pizzicata e una linea di batteria ripetitiva che puoi sentire in quasi tutte le canzoni del disco. Lei canta con un filo di voce in inglese, sebbene le sue canzoni in francese siano un valore aggiunto. Melody Prochet si può presentare come erede dei pionieri dell’electro-rock francesi come gli Air. Proprio come la loro musica, Unclouded sembra candito di cotone.
“LIGHTNING MIGHT STRIKE”, JULIANA HATFIELD
Forse nessuno riesce a rendere il dolore e la tristezza così bene come Juliana Hatfield. È un trucco magico che esegue dalla fine degli anni ‘80 con la sua band Blake Babies e come solista, e che porta a nuove vette in Lightning Might Strike. L’album la vede emergere da un periodo difficile durante il quale si è ritrovata a vivere da sola in una nuova città, a piangere la morte di un’amica di lunga data e del suo amato cane, e ad aiutare la madre ad affrontare le prime fasi del trattamento contro il cancro. Tutto questo è esplicitamente affrontato in Lightning Might Strike, un lavoro che sottolinea i temi del destino, della speranza e della gratitudine che Hatfield esplora qui. È una sensazione che evoca fin dall’inizio in Fall Apart, dipingendo con immaginifica immaginazione come un trauma inaspettato possa spingerti a fare i conti con te stesso, cantando: “Ha lanciato la mia unica chitarra lontano nel profondo e io mi sono tuffata dietro di lei”. Da quel momento in poi, canzoni ed epifanie fluiscono.
In Popsicle, Hatfield si confronta con l’idea che la vita di qualcuno possa essere predestinata, celebra la perdita dell’amica in Ashes e abbraccia il caldo ricordo del suo cane in Constant Companion. Tutto questo è reso con gusto grazie al contributo di diversi luminari del Massachusetts, tra cui il batterista Chris Anzalone, il bassista Ed Valauskas e il mixaggio e la masterizzazione di Pat DiCenso. Sebbene segnate dalla tragedia, in Lightning Might Strike le canzoni di Hatfield sono melodiche e brillanti come sempre: un sound che è diventato sempre più indelebile.
“TOUMARO”, HAWA & KASSE MADY DIABATÉ
Kasse Mady Diabaté è stato un rinomato cantante, musicista e griot maliano, la cui voce morbida e profondamente risonante – una caratteristica insolita tra i griot – gli è valsa il titolo di “Voce d’oro del Mali”. È scomparso improvvisamente nel 2018 durante la registrazione di questo album, lasciando il progetto incompiuto. Per onorare la sua eredità, sua figlia Hawa Kasse Mady Diabaté ha completato il lavoro che aveva iniziato, creando un tributo spirituale che unisce le generazioni. Insieme ai suoi colleghi del Trio Da Kali Lassana Diabaté e Madou Kouyaté, così come a suo figlio Lassana (Lassine) Kouyaté, Hawa presenta Toumara come una sentita continuazione dell’eredità musicale di suo padre.
“HAUNTED HEART: THE LEGENDARY RIVERSIDE STUDIO RECORDINGS”, BILL EVANS
L’antologia include i primi due album in studio del leggendario trio del pianista Bill Evans con il bassista Scott LaFaro e il batterista Paul Motian. Uno dei gruppi jazz più influenti di tutti i tempi, la formazione Evans/LaFaro/Motian ha assunto una qualità quasi mitica. Formato pochi mesi dopo che il pianista aveva completato le sessioni per lo storico album di Miles Davis del 1959 Kind of Blue, il trio è stato una sensazione istantanea, il loro lavoro ha contribuito a ridefinire il suono del jazz moderno. Gran parte di questo era dovuto al singolare approccio di Evans al pianoforte, caratterizzato dal suo uso di armonie impressioniste influenzate dalla classica, voci senza radici e linee melodiche cantate. Tuttavia, con le linee di basso melodiche altrettanto originali di LaFaro e il senso elastico dello swing di Motian, ha creato un nuovo tipo di trio, in cui ogni membro ha suonato insieme in modo colloquiale, piuttosto che come semplice accompagnamento per il pianista. Pubblicato nel 1960, Portrait in Jazz introdusse la sottile interazione del trio, e le loro interpretazioni di standard come Witchcraft, Come Rain or Come Shine e Someday My Prince Will Come (che precede la versione di Miles Davis di un anno) rimangono pietre miliari. Lo stesso vale per Explorations del 1961, che presentava la loro interpretazione profondamente romantica di Haunted Heart (un punto fermo del pianoforte jazz da allora) e li ha trovati a mettere il loro segno su canzoni di Davis come Nardis e Israel.
Insieme a entrambi gli album in studio, ci sono 26 alternative e outtake, 17 dei quali sono inediti. Mentre molti degli outtake di Evans sono spesso molto simili in studio, ci sono alcuni momenti sorprendenti, come nel suo inedito Spring Is Here, che presenta un’introduzione più estesa e improvvisata nella melodia. Allo stesso modo, dalle sessioni di Explorations, possiamo ascoltare ciascuno dei suoi tentativi sul motivo ascendente ballerino che dà il via a Sweet and Lovely, ognuno virtuoso e brillante come il prossimo. È anche affascinante sentire quanto sia stata chiaramente funzionata, se non a titolo definitivo, l’interazione del trio.
“COLMARE D’ARGENTO”, VALERIO RIZZO
Colmare D’Argento è l’album postumo del pianista e compositore Valerio Rizzo, recentemente scomparso. Un disco interamente scritto dallo stesso Rizzo che oggi assume il valore di un lascito artistico e umano: un’opera intensa e contemplativa, capace di restituire con rara autenticità la sua visione della musica come spazio di ascolto, memoria e silenzio.
Colmare D’Argento è un progetto lungamente costruito e sedimentato, meditato e osservato da più prospettive attraverso il vasto bagaglio esperienziale dell’artista, tanto nell’ambito dell’arte dei suoni quanto nei domini della vita dello spirito. Pianista di formazione classica, profondamente legato al romanticismo di Chopin e alla ricerca timbrica di Ravel, ma anche musicista jazz in equilibrio tra l’eleganza di Bill Evans e la spontaneità di Sonny Clark, Valerio Rizzo ha sempre vissuto la musica come territorio di confine, alimentato da una costante tensione filosofica. Come scriveva lo stesso Rizzo presentando il progetto, «Colmare D’Argento è la visione istantanea di un’immagine incastrata in un tempo che non scorre; racchiude, nella semplicità di un mare argenteo sospeso tra il crepuscolo e il buio, un’impalpabile ricchezza di elementi riverberanti in una terra che non più esiste, echi perduti e per un istante ritrovati».
Il disco si muove in un territorio sospeso tra scrittura e improvvisazione, tra racconto interiore e paesaggio sonoro. Ogni brano nasce da un’immagine, da un riferimento letterario, astronomico o simbolico, diventando frammento di un unico universo coerente. Non una semplice raccolta di composizioni, ma un atto finale di presenza, un invito all’ascolto lento e alla contemplazione.
