– I segnali sonori più interessanti della settimana. Dall’estero arrivano prodotti di qualità nella stagnante Italia sanremese: esce oggi “One Way No Return” capolavoro acustico di Mario Monterosso. Sam Bean fa incontrare jazz e folk, il nuovo “re Mida” del pop mette in collegamento cha-cha-chá, rock latino e soul di Philadelphia
– La rabbiosa rivendicazione dei diritti LGBTQ+ in “No Lube So Rude” di Peaches. Il dramma della solitudine nel teatrale “Nothing’s About to Happen to” di Mitsky. “Stronger Together” è il singolo che annuncia il nuovo album di Tori Amos. Raye è la futura principessa della black music. Misterioso videoclip dei Daft Punk
“ONE WAY NO RETURN”, MARIO MONTEROSSO
Esce oggi il sorprendente album solista del rocker catanese con base a Nashville. Un lavoro nel quale si scopre cantautore: via la chitarra elettrica, imbraccia quella acustica per un disco che si muove fra Dylan, Springsteen e Cash, descrivendo il mondo odierno.
Anticipato dal singolo Ain’t No Reaction, il disco raccoglie dieci stupende ballate che toccano i temi della perdita d’identità, dell’emigrazione, delle nostre paure, dell’incomunicabilità. Affronta gli spettri del passato, racconta storie americane con un’anima profondamente italiana. «Ci stiamo disabituando a vivere qualsiasi relazione umana di natura reale e soprattutto ci stiamo disabituando ad avere a che fare con il nostro io, per cui a un certo punto ci si sente soli e si ha paura di quella solitudine che invece potrebbe essere il momento di reset del nostro essere», commenta l’autore. «È un disco imperfetto, ci sono imprecisioni e qualche ronzio qui e là. Mi sono espresso nei modi che mi sono sembrati più opportuni a descrivere quello di cui volevo parlare. Ecco, se l’intelligenza artificiale rende tutto perfetto, io ho voluto fare esattamente l’opposto e ne sono contento».
Le dieci ballate, tranne In My Room, non scendono mai sotto i quattro minuti. Con punte quasi di sei per la straordinaria The ballad of Melvin McCoy. Introdotta da un’armonica, ci riporta nel mondo in bianco e nero di Nebraska di Bruce Springsteen con la commovente storia di Melvin McCoy. Springsteen, quello acustico e tormentato, fa capolino anche nel rock’n’roll acustico di Please Mrs Officer, brano che s’inserisce nel dibattito sull’immigrazione d’attualità negli Stati Uniti come in Europa. You’re Not Alone, “non siamo soli”, è una ballata spettrale che ricorda il suo amico Tav Falco (del quale Mario è produttore), per poi sciogliersi in una dolce e ballabile melodia, quasi un valzer. Un diamante incastonato in una collana di gemme preziose.
“THE ROMANTIC”, BRUNO MARS
Nei dieci anni trascorsi tra 24K Magic e The Romantic, il terzo e il quarto album del cantante, Bruno Mars non ha mai fatto perdere le sue tracce. Tutt’altro. Presente nei successi di Gucci Mane e Cardi B alla fine degli anni 2010, Mars si è unito ad Anderson .Paak come Silk Sonic nel 2021, e ha dato seguito all’enorme successo di quella partnership aiutando Lady Gaga in Die with a Smile e Rosé in Apt. Lui e Rosé hanno aperto i Grammy del 2026, dove ha anche eseguito I Just Might – un’anteprima di The Romanticche ha scalato le classifiche – con la sua band di 11 elementi.
Tra un album e l’altro, Mars ha mantenuto la sua performance live impeccabile con tournée e residency estese che hanno avuto un impatto tale da spingere l’MGM Resorts di Las Vegas a rinominare Park Avenue in Bruno Mars Drive. I Just Might, con il suo mix tra i primi Jackson 5 e Ray Parker Jr. dell’era disco, era chiaramente pensato per piacere a un vasto pubblico, e lo stesso vale per The Romantic nel suo complesso. È un cofanetto ben fatto di nove canzoni d’amore finemente realizzate. Allo stesso tempo, è come se Mars avesse realizzato – come ha fatto con Paak – una versione moderna di una compilation di Art Laboe, dato che ha un ampio appeal per gli amanti della musica “feel-good”, in particolare coppie, ballerini e appassionati di lowrider.
Nonostante l’evidente conoscenza degli stili passati che Mars e i suoi collaboratori hanno messo in pratica, la voce rauca e radiosa di Mars è la sua, e c’è almeno un momento in ciascuna di queste canzoni in cui si scatena. Non importa quanto banali siano i testi, li vende efficacemente laddove la maggior parte degli altri cantanti apparirebbe puramente istrionici. Inoltre, Mars e soci continuano a combinare abilmente i suoni, come nel modo in cui i pezzi forti Cha Cha Cha e Something Serious collegano L’Avana, Tijuana e Philadelphia, dal cha-cha-chá al rock latino al soul di Philadelphia, immaginando un vertice tra Santana e MFSB.
“HEN’S TEETH”, IRON & WINE
Molti artisti sono stati scossi dalla perdita di lavoro, guadagni e scopo causata dalla pandemia di Covid. Per Sam Beam, alias Iron & Wine, l’effetto era stato paralizzante. Incapace di scrivere qualcosa che non fosse contaminato dall’ombra del lockdown, fece un passo indietro e si godette invece il prezioso tempo in famiglia.
La diga si è rotta nel 2022 quando ha registrato l’EP Lori. Il songwriting di Beam ha poi preso una svolta verso il giocoso, anche usa e getta, e la musica è diventata divertente. Ha intitolato il suo ritorno nel 2024 Light Verse e adesso il suo seguito e compagno Hen’s Teethcattura qualcosa di abbastanza raro e prezioso: uno spirito sontuoso che non deve sforzarsi troppo di sedurre l’ascoltatore.
Entrambi gli album sono stati registrati contemporaneamente nello studio privato di Dave Way a Laurel Canyon con un gruppo di musicisti con sede a Los Angeles che Beam descrive come la sua band dei suoi sogni, tra cui il chitarrista David Garza, Tyler Chester su tasti e organo e il bassista dei Soul Coughing Sebastian Steinberg. È un album in cui il jazz incontra il folk lo-fi su cui è stato fondato Iron & Wine, con qualche arrangiamento pop.
“NO LUBE SO RUDE”, PEACHES
“Sì, sono vecchia / Oro massiccio / Una donna che controlla tutti i suoi buchi”, afferma Peaches nel suo modo tipicamente sfacciato su Panna Cotta Delight, nel suo primo album dopo dieci anni, No Lube So Rude. Agli inizi degli anni Duemila, la pioniera dell’elettroclash aveva affermato che non si sarebbe piegata verso il mainstream, voleva che il mainstream arrivasse a lei. Ventisei anni dopo, si può vedere la sua discendenza nei bop queer sex-positive di Chappell Roan o Billie Eilish, o persino nei testi scabrosi e divertenti delle Lambrini Girls, con cui Peaches ha collaborato per un remix di Cuntology 101.
Per la maggior parte, No Lube So Rude si diletta gioiosamente nello scatologico, scatenando feticismi degni di un Hanky Code (il codice utilizzato dal 1970 da uomini gay e bisessuali) su punk, electro, dance e industrial. C’è una cupa ironia, tuttavia, nel fatto che, mentre la finestra pop si è spostata su di lei, i capisaldi lirici di Peaches – come l’autonomia corporea, l’identità e l’espressione di genere – sono sempre più politicamente minacciati. Persino il titolo No Lube So Rude si riferisce alla trasformazione dell’attrito del mondo in piacere e orgoglio. Peaches porta un bazooka a forma di dildo a una lotta con i coltelli.
Oltre ai sintetizzatori, il rumore meccanico della trappola di Fuck How You Wanna Fuck fa riferimento sia a Elon Musk (“Starlink anal beads / Shove it and squeeze”) che al ribaltamento della storica sentenza sull’aborto. La sporcizia è accompagnata dalla furia del canto di protesta di Not In Your Mouth None Of Your Business: è un urlo di rabbia in prima linea contro il ridimensionamento dei diritti LGBTQ+ in tutto il mondo: «Gli ordini non ci faranno sdraiare e morire / Vi impediremo di rovinarci la vita».
“NOTHING’S ABOUT TO HAPPEN TO ME”, MITSKI
L’ottavo album di Mitski è al tempo stesso teatrale e sobrio, e risponde alla sua ritrovata visibilità con riflessioni sulla solitudine e l’illusione. Nel 2023, Mitski ha avuto un’inaspettata svolta commerciale. My Love Mine All Mine, il suo debutto nella Billboard Hot 100, è diventato virale su TikTok, diventando la colonna sonora di oltre 2,5 milioni di video. Ma più la sua musica veniva riproposta in modo stravagante, più Mitski si adattava. In Nothing Is About to Happen to Me, il suo ottavo e più strano album, ignora la bruciante intensità emotiva dei suoi primi lavori e si avvicina al limite dell’irreale. La musica è sapientemente gestita: sobria e lucida, pur essendo allucinogena e squilibrata.
L’album presenta strumentazione live, i testi si svolgono quasi interamente in un unico contesto: la casa psichica di Mitski, un tempo scrupolosamente riordinata, ora abbandonata ai suoi sogni ad occhi aperti e invasa da muffa e polvere, con opossum che vivono in soffitta. La casa funge da contenitore fatiscente dell’album. Per tutto il disco, la narratrice di Mitski è tormentata da gatti randagi, dai cani di ragazze morte e da folle intenzionate a imbalsamarla e a mettere all’asta i suoi beni. Si sforza di aggrapparsi ai suoi ricordi: desiderando nuotare a dorso per sempre con il suo amante assente ancora al suo fianco, escogitando modi sempre più maniacali per preservarlo e infine scivolando verso la follia, dove inizia a fantasticare sulla propria morte.
Mitski si è sempre più avvicinata al teatro, una delle ultime vestigia di un’esperienza effimera e vissuta di persona, dove il significato resiste al degrado e la quarta parete sigilla il suo mondo. Attualmente sta scrivendo musica e testi per un adattamento teatrale de La regina degli scacchi, e la strumentazione di Nothing’s About to Happen to Me riflette questo lavoro parallelo, mentre trascina la sua band verso una pantomima gotica.
Con l’aumentare della sua visibilità negli ultimi anni, si è orientata maggiormente verso le sonorità dell’Americana. Attinge a forme rurali, attingendo al blues sdolcinato di Charon’s Obol e all’intreccio di influenze di ballate anglo-celtiche con le tradizioni sudamericane, mentre banjo e violini suonano insieme al contrabbasso in In a Lake. A differenza dei dischi precedenti, dove il pastiche fungeva da contrasto comico, qui ogni elemento è in armonia estetica. Le scene sono distinte e rigorosamente formalistiche. La fantasticheria all’assenzio di I’ll Change for You è accompagnata da un lounge bossa nova, mentre Mitski canta della magia di essere ubriachi al bar. Il finale folle e grandioso di In a Lake è accompagnato da una sezione di fiati al completo. Sembra un’immagine di follia: una signora con bombetta e body da smoking che fa roteare la bacchetta su un palco illuminato dai riflettori, improvvisamente interrotta per rivelare una donna con i capelli spettinati che si dondola avanti e indietro, da sola. La solitudine, da sempre un tema complesso nell’opera di Mitski, assume qui una nuova, gioiosa valenza.
“STRONGER TOGETHER”, TORI AMOS
Stronger Together è il singolo che annuncia In Times Of Dragons il nuovo album di Tori Amos in uscita l’1 maggio. L’album è una parabola degli attuali tempi pericolosi in cui ci troviamo, «dove la democrazia stessa è in gioco», spiega Amos. «Mentre sto scappando dal personaggio che è il mio sadico marito miliardario Lizard Demon, mi sono imbattuta in persone che non mi era permesso di vedere da anni, e non volevano vedermi a causa della relazione in cui mi trovavo. Per evitare di essere catturata e trascinata nell’attico del Demone Lizard, corro nel profondo sud degli Stati Uniti per buttare lui e il suo scagnozzo fuori dalle mie tracce. Uno dei tanti personaggi che incontro nel viaggio è La Figlia. Passiamo del tempo e cantiamo insieme».
«Stronger Together rappresenta il culmine della nostra relazione mentre si trasforma con The Daughter che sceglie di stare al mio fianco, indipendentemente dalle sfide che ci attendono. Qualunque cosa affronteremo in futuro, ci facciamo un voto l’uno all’altro per essere più forti insieme».
“NIGHTINGALE LANE”, RAYE
Il secondo singolo del suo secondo album tratto da This Album May Contain Hope, in arrivo il 27 marzo, vede Raye protagonista di una ballata strappacuore. “Qualcuno mi ha amato una volta (mi ha amato una volta) / E un giorno qualcuno lo farà di nuovo / Come il modo in cui mi hai amato (Prendimi di nuovo tra le tue braccia, amami bene, solo stasera) / Su Nightingale Lane (Nightingale Lane, Nightingale Lane) Anche se non ce l’abbiamo mai fatta / Stranger, mi hai dimostrato che è vero / Sono capace di amare qualcuno come ho amato te”, canta regale, superba. Vecchia scuola, la cantante di origine britannica si candida a essere la nuova e versatile principessa della black music.
“HUMAN AFTER ALL”, DAFT PUNK
A cinque anni esatti dal video Epilogue che sanciva la fine della loro carriera, i Daft Punk tornano a far parlare di sé. Non è una reunion ufficiale ma un nuovo, ennesimo, contributo volto ad alimentare il mito. L’ultima sorpresa per i fan è il videoclip di Human After All, brano simbolo del 2005. Non si tratta di riprese attuali, ma di un montaggio d’autore firmato da Cédric Hervet, che assembla in modo inedito delle sequenze tratte da Electroma, il film di fantascienza diretto dal duo nel 2006.
I rumor su una possibile reunion dei Daft Punk, soprattutto in concomitanza con il ventesimo anniversario di Alive 2007, sono sempre dietro l’angolo. L’indizio più grande, negli ultimi anni, è quello arrivano da un batterista turnista che aveva collaborato con i Daft Punk durante le sessioni di registrazione di Random Access Memories. In una intervista, il musicista aveva svelato un retroscena che ha riacceso le speranze dei fan: dopo il successo dell’ultimo album, Thomas e Guy-Manuel avevano iniziato a lavorare a un nuovo progetto.
