– I segnali sonori più interessanti della settimana. È “Carving The Stone” di For Those I Love – alias David Balfe – la proposta più intrigante della settimana: un’esplorazione della perdita del futuro da parte di una generazione. E poi c’è Ethel Cain con uno slowcore fangoso e un folk polveroso e dai toni seppia: suoni che sono lenti e distorti, come dischi sbagliati suonati alla velocità sbagliata
– Non esalta “No Rain, No Flowers” dei Black Keys che sembrano aver perso la brillantezza degli inizi. Mal Blum reinventa il ruolo del cattivo per i cattivi ragazzi di tutto il mondo in “The Villain”. Amaarae costruisce un emozionante mondo alieno che adora la pista da ballo mentre diventa selvaggia per amore. Un po’ datato “Termini per una resa” della band catanese La Classe dirigente. Il singolo degli Idles
“CARVING THE STONE”, FOR THOSE I LOVE
“Dov’è l’orgoglio in questa città? Non sopravviverò in questa città”, sputa scoraggiato For Those I Love – alias David Balfe – in This Is Not The Place I Belong. Tutto il nuovo album il poeta-produttore di Dublino è un’esplorazione della perdita del futuro da parte di una generazione, dell’energia di una cultura e dell’anima di una città. David Balfe si sente intrappolato tra questi due stati d’animo: il suo amore per la casa paralizza il suo impulso a lasciare, mentre i problemi che osserva – crimine, affitti alle stelle, noia – rendono un futuro altrettanto impensabile. La sua parola chiara e il beatmaking elegante, entrambi affinati dal suo debutto omonimo del 2021, si combinano per una osservazione cruda e complessa della sua città.
La chiave della brillantezza dell’album è la capacità di Balfe di scrivere piccoli e succinti ritratti. Evoca paralleli sorprendenti, come quello tra la violenza quotidiana e la decimazione delle comunità della classe operaia sotto il capitalismo: “Se ho intenzione di sanguinare, allora fammi sanguinare con una lama che posso vedere”, rappa in Mirror.
La fermezza della voce di Balfe, con il suo accento marcato, bilancia mantiene il realismo di Carving The Stone. Il suo temperamento può infuriarsi – “stronzi!” abbaia quattordici volte di fila in Mirror – ma non diventa mai incontrollato o teatrale. La sua voce rimane più o meno nello stesso registro colloquiale, anche quando si gonfia furiosamente o si restringe irrimediabilmente. Nella title track, uno dei singoli del disco, Balfe offre la sua narrazione più vivida di sempre. La produzione della traccia corrisponde alla sua intensità, mescolando linee di basso trip-hop con il dread ambientale, con la voce di Balfe che si libra sul ritmo, occasionalmente interrotta da droni minacciosi. Poi il tono crescente di Balfe si trasforma improvvisamente in un borbottio sconsolato verso la fine di No Scheme: è il suono della rabbia che si trasforma in risentimento.
Attorno alla sua voce smorzata, gli arrangiamenti musicali di Carving The Stone ribollono di vita: la produzione si dimostra complessa quanto i suoi testi. Tenuta insieme da alcuni pilastri – melodie di pianoforte, batteria distorta e synth gorgoglianti – la musica passa dal groove di basso mid-tempo di No Quiet alla techno martellante di Mirror. Raggiunge un senso di appartenenza in ogni brano, come nel campionamento del cantautore folk irlandese Neilí Ní Dhomhnaill in No Quiet o nel violino da danza popolare di Of The Sorrows.
C’è un lieto fine in I Came Back To See The Stone Had Moved, quando Balfe dichiara: “Sono orgoglioso della mia vita”. Carving The Stone è un ritratto onesto, ma brutale, della vita moderna a Dublino: è crudo, poetico e politicamente carico. Trasmette un senso di affermazione della vita anche nei suoi momenti più bui, grazie alle emozioni intense che Balfe prova per la città. Mentre descrive la Dublino moderna come un mondo di compromessi, lamentando “gli scambi che ho fatto solo per restare dove sono” in No Scheme, presenta quel mondo con autentica chiarezza e sentimento, e non sembra disposto a rinunciarvi.
“WILLOUGHBY TUCKER, I’LL ALWAYS LOVE YOU”, ETHEL CAIN
Hayden Anhedönia voleva fare film. Ma come tante ragazze delle piccole città americane, le sue ambizioni hanno superato i suoi mezzi. Invece, ha scritto musica: canzoni atmosferiche, di genere sfocate e a basso budget che potrebbero essere la colonna sonora di una seduta spiritica. Ethel Cain, un personaggio del suo immaginario universo cinematografico, è diventata il suo alter ego musicale e la protagonista di Preacher’s Daughter, il suo album di debutto che l’ha fatta notare nel 2022. Anhedönia non aveva bisogno del sostegno di Hollywood per modellarsi come autrice: ha scritto, eseguito e prodotto le sue canzoni in gran parte da sola.
Preacher’s Daughter è stato presentato come il primo capitolo di una trilogia che segue tre generazioni di donne – Ethel Cain è la più giovane – in un contesto evangelico del Sud con evidenti parallelismi con l’educazione di Anhedönia nella Florida Panhandle. La storia, un macabro diario di viaggio, è costellata di traumi familiari, sesso perverso e persino cannibalismo. Il suo nuovo prequel, un po’ più sobrio, Willoughby Tucker, I’ll Always Love You, vede una Cain più giovane intrappolata in un triangolo amoroso adolescenziale con il personaggio del titolo e la morte. Per quanto dispersivo, il progetto, si concentra sul suo tema distintivo: la fragilità, della vita, dell’amore e del sogno americano.
Sebbene carichi di retroscena, questi dischi sussistono più sull’atmosfera che sulla trama. Anhedönia, spesso classificata come un’artista pop, gravita ugualmente – e su Willoughby Tucker, sempre più – verso lo slowcore fangoso e il folk polveroso e dai toni seppia: suoni che sono lenti e distorti, come dischi sbagliati suonati alla velocità sbagliata.
“NO RAIN, NO FLOWERS”, THE BLACK KEYS
The Black Keys, duo rock vincitore di un Grammy, pubblicano il loro treedicesimo album in studio dal titolo No Rain, No Flowers. Prodotto dalla band stessa e registrato agli Easy Eye Sound Studios di Nashville, il nuovo album vede la partecipazione di importanti collaboratori, tra cui i cantautori vincitori di un Grammy Rick Nowels e Daniel Tashian, nonché il leggendario tastierista e produttore Scott Storch (Dr. Dre, The Roots).
Proseguendo nello spirito di collaborazione avviato con il loro precedente album, Ohio Players — che includeva contributi di artisti come Beck e Noel Gallagher — The Black Keys hanno scelto un approccio diverso per No Rain, No Flowers, preferendo lavorare più da vicino con cantautori da loro a lungo ammirati, piuttosto che con altri performer.
Dan spiega: «Avevo lavorato con Rick Nowels all’album Ultraviolence di Lana Del Rey. Non avevamo mai davvero collaborato con un tastierista o con qualcuno che scrivesse al pianoforte come fa lui, ma è scattato subito qualcosa». Patrick aggiunge: «Volevamo andare direttamente alla fonte, essere nella stanza con persone conosciute per le loro capacità di scrittura. Daniel Tashian è stata una delle prime persone che ho conosciuto dopo essermi trasferito a Nashville, e siamo fan di Scott Storch da sempre». Dan conclude: «Questo album è stato davvero curato con tanto impegno e amore. Speriamo che si senta».
No Rain, No Flowers offre un suono eclettico, plasmato dall’energia e dallo spirito dei Record Hangs, le celebri feste-dj set organizzate dai The Black Keys, durante le quali Auerbach e Carney si alternano alla consolle per suonare rari — ma incredibilmente potenti — 45 giri in vinile, pescati dalla loro impressionante collezione, davanti a folle entusiaste composte da fan di lunga data e nuovi arrivati. Questi eventi elettrizzanti, curati nei minimi dettagli, hanno influenzato direttamente il groove coinvolgente e ballabile del nuovo disco. A oltre vent’anni dall’inizio della loro carriera, The Black Keys continuano a fare musica alle loro condizioni, guidati dall’istinto, dalla passione e da una ferma volontà di non scendere a compromessi. No Rain, No Flowers è una testimonianza del profondo impegno della band verso il proprio mestiere e della loro creatività sempre viva, anche se stavolta non raggiunge le vette delle prime produzioni e si mostra un po’ ripetitivo e banale.
“THE VILLAIN”, MAL BLUM
Nel suo quinto album, Mal Blum reinventa il ruolo del cattivo per i cattivi ragazzi di tutto il mondo. La cattiveria qui è personale: Blum ha realizzato il disco, appropriatamente intitolato The Villain, sulla singolare stanchezza di essere etichettato come antagonista in una rottura tra trans e trans; è anche politica, in una società che denigra la non conformità di genere. Qui, Blum esplora l’attrito del pensiero binario vittima-cattivo, sfidando stereotipi disumanizzanti con sfumature comprensibili: «Ero troppo disposto/a a farti diventare il cattivo… Questo mi rende il cattivo?» canta nella traccia che dà il titolo all’album. Ma la cattiveria di Blum è un mosaico, che invita gli ascoltatori a mettere in discussione la propria complicità nella ricerca del “cattivo” nelle proprie vite e anche nella propria retorica.
“BLACK STAR”, AMAARAE
Terzo album di Ama Serwah Genfi, cantante statunitense di origini ghanesi. Il titolo ha un triplice significato: fa un cenno all’emblema panafricano del Ghana, alla diaspora nera come radice della musica dance e alla sua stessa ascesa alla celebrità. Con una super squadra di ospiti – tra cui Naomi Campbell, Bree Runway e Charlie Wilson – Amaarae costruisce un emozionante mondo alieno che adora la pista da ballo mentre diventa selvaggia per amore, non importa quanto indulgente, profonda, fugace o desiderosa. Una futura “black star”.
“TERMINI PER UNA RESA”, LA CLASSE DIRIGENTE
Album d’esordio della rock band catanese La Classe Dirigente (ex Nadiè). Il disco è stato anticipato dai singoli Conosci te stesso e Pronti inconsistenza via. Dieci brani nel complesso dove la band propone a un pop rock un po’ ripetitivo e datato, con momenti barocchi e dai testi poco incisivi. La produzione artistica del disco era stata cominciata dal compianto Toni Carbone (Denovo, Luca Madonia, Mario Venuti) prima della sua improvvisa scomparsa nel 2023, per poi essere ultimata nei dettagli da diversi professionisti guidati da Roberto Vernetti (La Crus, Delta V, Casino Royale e moltissimi altri). La Classe Dirigente è formata da Giovanni Scuderi (voce), Alfio Musumeci (batteria), Gianpiero Leone (basso), Francesco Gueli (chitarre).
“RABBIT RUN”, IDLES
Poco più di un anno dopo l’uscita dell’eccellente Tangk, gli IDLES programmano il ritorno con un nuovo singolo. Intitolato Rabbit Run, è stato composto per la colonna sonora del nuovo film di Darren Aronofsky, Pres au piège, una commedia mafiosa con Austin Butler nel ruolo principale. È un brano che cattura l’energia della scena punk newyorkese degli anni ’90 presente al centro di questo lungometraggio. «Ho costruito Pres au piège in modo che fosse un’acqua russa di divertimento e ho voluto dare una spinta al film dotandolo di una sensibilità punk», afferma Aronofsky tramite stampa. E chi meglio degli IDLES per mettere in musica questa visione? «Era un sogno vederli distorcere i loro appunti per rompere tutto sul nostro schermo cinematografico», continua.
Il gruppo britannico ha già registrato alcune canzoni per un prossimo album. «Abbiamo circa dieci titoli e torneremo in studio per rifarne altri», aveva confidato Joe Talbot al NME il mese scorso. Abbiamo dei progettinel frattempo, ma torneremo all’album più tardi quest’anno e lo finiremo. Registriamo di nuovo con Kenny (Beats) e Nigel (Godrich). È davvero magico. Non vedo l’ora».
Pris au piège, che vede anche la partecipazione di Zoe Kravitz, Action Bronson, Bad Bunny o ancora Matt Smith, arriverà nelle sale il 29 agosto prossimo, così come la colonna sonora originale.
