– I segnali sonori più interessanti della settimana. La cantante portoricana, di base a Barcellona, esplora, rinnovandole, le tradizioni del suo Paese. Da Julien Baker e Torres una rivendicazione queer della musica country. “A Study of Losses” di Beirut è un bel progetto teatrale. Tunde Adebimpe cerca di trovare un fiore nel mucchio di letame arrivato con Donald Trump. Tre inediti dei Fontaines D. C.
– Il convincente rock cantato in italiano dei pugliesi Migraine. I “Migration Tales” della violinista, compositrice e cantante jazz Ludovica Burtone. Secondo singolo di Bruce Springsteen per promuovere “Tracks II: The Lost Albums”. Tra i nuovi Lucio Corsi si alza la voce di Giorgio Poi. Eccellente collaborazione fra la folk band inglese Caroline e la cantautrice statunitense Caroline Polachek
“REZO AL AGUA”, MARINA Y SU MELAO
Una musica che rende omaggio alle tradizioni del Porto Rico ma allargando la tavolozza sonora per riflettere un melting pot globale. La cantante nata in Porto Rico ma di base a Barcellona Marina Molina dirige Marina Y Su Melao nell’album di debutto, Rezo Al Agua, con 11 brani che mischiano la musica tradizionale “bomba” del Porto Rico con grooves afro-caribici, al crocevia tra folklore, tradizione e modernità.
Marina Molina esprime un attaccamento alla terra, al paesaggio, alla cultura, alle credenze e all’ambiente che l’ha vista nascere, Porto Rico. Lo fa per mezzo della “bomba”, una delle espressioni musicali più identificative del Paese. La bomba è antica quanto la schiavitù di coloro che l’hanno appesa per raccontarsi le loro tribolazioni e speranze, armati dello strumento che avevano più a portata di mano, i tamburi. È una sorta di metagenere che include una moltitudine di varietà ritmiche.
Ma Marina è qualcosa di più di una “bomba”, l’eredità che ha ricevuto dai suoi anziani e che non vuole trasformare in un oggetto congelato di venerazione, un totem intoccabile e mistico. Marina, che ha il sangue colombiano nelle vene, è un’artista di oggi, di un mondo in cui le culture possono mescolarsi, in cui le persone migrano, si influenzano, viaggiano, scambiano i loro tratti culturali, possono vedere sulle reti cosa succede dall’altra parte del mondo e quindi aprire la finestra che facilita la mescolanza delle identità. Questi mix ridisegnano confini e generi, permettendo alla musica popolare di evitare la loro fossilizzazione.
In quel territorio cresce la fertile Marina. Ha una voce duttile e potente, nitida come il suo atteggiamento indipendente e potente. Questo è un elemento molto notevole nei testi del disco, che nonostante siano scritti da una prospettiva attuale contengono il significato che hanno sempre avuto i testi popolari: spiegare la vita con le lettere minuscole del quotidiano. Tutto questo è presentato in chiave “bomba”. Impura. C’è una chitarra africana, una pedal steel guitar, un Wurlitzer, una fisarmonica e tutto ciò che Marina e Miguelito Superstar, il produttore, hanno pensato fosse necessario per accentuare la musicalità di una voce piena e di tamburi che risuonano crudi con la vibrazione della tradizione. Una tradizione ora nelle mani di una donna che aspira al proprio spazio nella vita, a scrivere il proprio capitolo.
“SEND A PRAYER MY WAY”, JULIEN BAKER E TORRES
Una delle componenti dei Boygenius , Julien Baker , e la cantautrice Torres, vero nome Mackenzie Scott, sono stati spesso a confronto. Entrambe sono cresciuti nel Sud, ragazze queer in devote famiglie cristiane, circondate dalla cultura intrinsecamente intrecciata della musica country. Anche se inizialmente si sono sentite perseguitate dall’essere etichettate come “musiciste queer del Sud” – per non parlare del fatto che la loro musica da solista suona nettamente diversa – il pesante crossover tematico le offre tuttavia una scelta creativa.
Anche se il duo avrebbe potuto facilmente optare per l’approccio hooky e country-pop di leggende come Shania Twain e nuovi portabandiere come Chappell Roan, Send A Prayer My Way preferisce invece la strada della familiarità e un suono più vintage. Molte di queste canzoni sono cariche del caldo ronzio degli archi, della chitarra delicatamente strimpellata e delle voci di Scott e Baker.
Lungi dall’allontanarsi dalle tradizionali strutture di songwriting del country e dalle convenzioni liriche, questo album le abbraccia con cuore. Mentre una versione più pop del country sta innegabilmente avendo un momento di successo – anche Beyoncé è salita sul carro – Baker e Scott attingono dai classici cantautori che hanno usato e sovvertito il genere come Loretta Lynn o Tammy Wynette.
“A STUDY OF LOSSES”, BEIRUT
Nel 2023, Zach Condon ha pubblicato l’album solista Hadsel, una serie di canzoni registrate durante periodi di autoimposto (per problemi di salute), poi forzato (a causa del COVID-19) isolamento e con una tavolozza limitata incentrata su un organo della chiesa. Torna meno di due anni dopo con un suono folk da camera più ampio per A Study of Losses.
Ispirato alla storia di un uomo ossessionato dall’archiviazione dei pensieri e delle creazioni perdute dell’umanità, A Study of Losses è composto da 12 canzoni e sette strumentali commissionati da Kompani Giraff, un circo svedese, per il loro spettacolo teatrale con lo stesso nome (liberamente basato sul romanzo Verzeichnis einiger Verluste del 2018 di Judith Schalansky). Detto questo, sia le canzoni che gli strumentali qui funzionano come un album di Beirut. Opportunamente malinconico nella natura, l’album inizia con la triste Disappearances and Losses, uno strumentale ultraterreno la cui melodia si sviluppa lentamente fondendo strumenti elettronici e acustici. La prima canzone, Forest Encyclopedia, è più vivace, con percussioni, ukulele e armonie vocali insieme a liriche sull’abbandono. Villa Sacchetti, pizzicata e agrodolce, simile a una ninna nanna, è uno dei brani migliori, mentre la fresca Guericke’s Unicorn incorpora una batteria e sintetizzatori modulari per qualcosa di più splendente. Le influenze barocche sono più evidenti sullo strumentale Mare Crisium. Nel complesso, solo una delle 18 tracce qui supera il limite dei quattro minuti, quindi il tempo di riproduzione di un’ora di A Study of Losses sembra passare rapidamente, e la sua incessante dolcezza indugia dopo che Condon “left to be/a sea of tranquility” (Mare Tranquillitatis) per chiudere un bel progetto teatrale.
“THEE BLACK BOLTZ”, TUNDE ADEBIMPE
Essere al centro di una tempesta musicale per oltre vent’anni ha mantenuto la musica dei Tunde Adebimpe vibrante. L’album di debutto da solista del cantante dei TV on the Radio trabocca di presagi. Ma Thee Black Boltz, registrato prima che gli elettori americani decidessero che avevamo bisogno di Donald Trump che spaccasse di nuovo le cose, ha poca importanza per quelli del “io ve l’avevo detto”: se gli ascoltatori hanno bisogno di conforto ora che l’apocalisse è arrivata, suggerisce l’album, lo trovino nei beat e nella spettacolarità. Ben sequenziato e diretto nella sua masticabilità melodica e nelle intenzioni ritmiche, Thee Black Boltz si integra perfettamente con Dear Science e Desperate Youth, Blood Thirsty Babes, canarini dell’era Bush II che non hanno mai smesso di cantare dalle loro miserabili miniere di carbone.
Thee Black Boltz non ha a bordo il maestro programmatore-produttore Dave Sitek, e a volte mi manca il suo denso e sinistro rimescolamento, ma il polistrumentista e principale collaboratore Wilder Zoby apporta chiarezza, plasmando l’album attorno ad Adebimpe come cantante anziché come membro di un collettivo. Esiste una distensione tra le melodie brillanti e i suoi testi. Se Thee Black Boltz ha un tema, è trovare un fiore in un mucchio di letame.
“ROMANCE DELUXE”, FONTAINES D.C.
Prima di ripartire per un tour internazionale, i Fontaines D.C. pubblicano un’edizione aumentata digitale del loro ultimo album, Romance con tre nuovi titoli, di cui uno inedito intitolato Before You I Just Forget. «La canzone è nata con una visione di un suono davvero esploso, qualcosa che ha vibrato e si è trasformato con nuovi dettagli che diventano visibili ogni volta che la ascoltiamo», spiega il chitarrista Conor Curley. «Come se non si potesse mai risalire due volte lo stesso fiume, la canzone si trasforma e cambia, terminando con un’incredibile sezione di archi con Grian (Chatten, il cantante, ndr)».
Tra i nuovi titoli in questa edizione deluxe, la canzone It’s Amazing To Be Young, un «inno alla speranza» composto come ninna nanna per la figlia di Carlos O’Connell (chitarra/tastiere), già svelata lo scorso febbraio. E anche una versione spogliata del singolo Starbuster fuso al titolo In Heaven (Lady In The Radiator Song), estratto dalla colonna sonora del film Eraserhead di David Lynch, uscito nel 1977.
“UN’ABITUDINE”, MIGRAINE
Primo album ufficiale della band alternative/stoner/grunge pugliese. Un lavoro di dieci tracce che affonda le radici nello stoner e nel grunge dei primi Queens of the Stone Age, dei Mudhoney e dei Soundgarden, abbracciando sfumature post-core à la Amyl and The Sniffers e Viagra Boys e contaminazioni di un magnetico blues psichedelico.
Valorizzato da un convincente cantato in italiano, è un disco capace di evocare e mettere a nudo quel senso di inquietudine che alberga, in forme diverse, nella nostra quotidianità. È un’ideale colonna sonora per esplorare i lati più irrequieti dell’animo umano, grazie a una sensibilità tormentata ed attuale, e un’attitudine rock dalla notevole forza espressiva.
Sviluppandosi come un’unica visione, un quadro in cui ogni traccia è un colore acceso, un tassello di un universo sonoro che cattura l’ascoltatore in uno scambio emotivo profondo, Un’Abitudine è un racconto crudo e autentico, un grido lanciato nel deserto polveroso dell’anima, in cui ogni battaglia interiore trova la sua voce. Senza nessun compromesso, senza nessuna indulgenza, i Migraine riescono ad accompagnare l’ascoltatore in un percorso denso di energia e introspezione.
“MIGRATION TALES”, LUDOVICA BURTONE
Consegnato alle stampe dall’etichetta Endectomorph, in collaborazione con La Reserve, Migration Tales è il nuovo disco della violinista, compositrice e arrangiatrice Ludovica Burtone, musicista eclettica, di larghe vedute, che sta riscuotendo sempre più consensi soprattutto negli Stati Uniti, Paese in cui vive attualmente.
Concepito in pieno solco contemporary jazz, dalle forti tinte free, avant-garde jazz, nonché impreziosito da pennellate assimilabili alla musica eurocolta, Migration Tales è un lavoro da cui emerge un profondo spirito di ricerca dal punto di vista timbrico, melodico, armonico e ritmico, dove l’estro e la sensibilità di Ludovica Burtone e dei suoi cinque brillanti partner sono due elementi caratterizzanti. Ad accompagnarla in questa fatica discografica, figurano appunto cinque musicisti di fulgido talento: Milena Casado (flicorno), Julieta Eugenio (sax tenore), Marta Sánchez (pianoforte), Tyrone Allen II (contrabbasso) e Jongkuk Kim (batteria).
L’autrice di Migration Tales, in questo lavoro anche in veste di cantante, racconta la gestazione e descrive il mood della sua nuova creatura: «Questa raccolta di storie musicali nasce dalle esperienze di donne immigrate a New York. È un album dedicato a chi si sente sospeso tra due mondi, a chi cerca un luogo dove sentirsi a casa e a chi trova la forza nel proprio percorso. Un omaggio al coraggio e alla resilienza di tutti gli immigrati. Ogni brano racconta un aspetto diverso di questo viaggio, esplorando l’identità, la perdita e il senso di appartenenza. Il 2023, per me, è stato un anno di profonda trasformazione, ricco di sfide, dolori e opportunità. Questo progetto è nato in quei mesi intensi ed emozionanti».
“TELL ME I NEVER KNEW THAT” CAROLINE / CAROLINE POLACHEK
La musica folk inglese è sempre stata usata per tracciare il lento rivolo del cambiamento sociale, disegnando l’ascesa e la caduta di nuovi poteri e la modernizzazione del paesaggio: questa canzone, una collaborazione con Caroline Polachek dal prossimo album della band inglese Caroline, Caroline 2, sembra che un giorno potrebbe essere usata come prova di una società che subisce un rapido appiattimento. I testi di apertura catturano un senso di disagio di dislocazione: “Non so nemmeno se sono vivo/Ma non voglio essere qualcun altro”, canta Polachek. “Forse non voglio essere nessuno/E non voglio essere qualcun altro”.
La presenza di Polachek nella canzone sembra vitale: la sua voce, una delle più potenti e uniche nella musica moderna, può suonare sia in modo infallibilmente umana che artificiale, e qui usa entrambe le modalità nel paesaggio pastorale dei Caroline, come se fosse digitalmente sovrapposta sopra di esso. Alla fine, la sua voce inizia a intrecciarsi con il vortice della canzone di tamburi, chitarra acustica, percussioni e corna; mentre la musica si esaurisce, una voce manipolata digitalmente emette un mantra di fine storia che sembra vero, se non esattamente confortante: “Lo è sempre stato/lo sarà sempre/ Succede sempre/Questo accade sempre”.
“BLIND SPOT”, BRUCE SPRINGSTEEN
Tratto dall’album Streets of Philadelphia sessions e seconda anticipazione dell’imperdibile Tracks II: The Lost Albums, i 7 album mai pubblicati in uscita il 27 giugno per Sony Music. Streets of Philadelphia Sessions è una raccolta di dieci brani precedentemente conosciuta dai fan come il “loops records”. Scritto sull’onda dell’omonimo brano vincitore dell’Oscar, l’album vede Bruce Springsteen esplorare i ritmi della musica della metà degli anni ’90, e in particolare nell’hip-hop della West Coast.
Blind Spot, una canzone che esplora il dubbio e il tradimento nelle relazioni, è Il centro tematico di Streets of Philadelphia Sessions. «Quello era semplicemente il tema su cui mi sono concentrato in quel momento», spiega Bruce Springsteen. «Non so davvero perché. Io e Patti, ci stavamo divertendo un sacco in California. Ma a volte, se ti concentri su una canzone che ti piace, allora segui quel filo. Avevo Blind Spot, e ho seguito quel filo per il resto del disco».
Completamente finito, mixato e previsto per un’uscita nella primavera del 1995, Streets of Philadelphia Sessions fu poi messo da parte, dato che Springsteen decise di riunirsi con la E Street Band per la prima volta dopo sette anni. «Ho pensato: “Beh, forse è il momento di fare qualcosa con la band, o di ricordare ai fan della band o di quella parte della mia vita lavorativa”», prosegue il Boss. «Quindi è lì che siamo andati. Ma mi è sempre piaciuto davvero Streets of Philadelphia Sessions…».
“GIOCHI DI GAMBE”, GIORGIO POI
Un ritornello irresistibile, dal ritmo in levare e un giro di basso magnetico e affascinante. Dopo Uomini Contro insetti, un nuovo brano che anticipa Schegge, l’atteso quarto album di inediti di Giorgio Poi, in uscita il 2 maggio. Una nuova canzone che alterna in un flusso continuo frammenti di pensieri, istantanee di vita quotidiana e immagini dolci e poetiche:
Il brano manifesto del disco “in questa grande esplosione siamo le schegge”, che racchiude in sé il senso del suo intero processo creativo, dove emerge chiara la necessità di preservarsi e la ricerca di equilibrio, mentre l’eco del passato si mescola a un presente in continuo mutamento.
«Cronologicamente è l’ultimo pezzo che ho scritto per questo disco», racconta Giorgio. «E forse per questo mi è sembrato giusto averlo come brano di apertura, perché ho pensato che raccogliesse, seppur confusamente, le sanzioni e i pensieri dell’intero arco temporale in cui ho lavorato a queste canzoni».
